obra

Camino

Senda es un paseo libre que pretende superar obstáculos con tal de remitirnos a temas como la ecología, el tiempo, el avance, el viaje, el camino y las dificultades. Senda participa en la III Edición Festival Internacional de Performances Mínimas (Rur)Urbanas en Vídeo, del Festival Cuerpo (Rur)Urbano en Acción

Cuando se me invita a participar en el número 4 de la revista-objeto LABOLA, para vincular el nuevo trabajo con Senda (2022), escojo el caminar como concepto nuclear. Mientras camino, se me ocurre una idea. Recojo ramitas secas durante un paseo, les sumo unas etiquetas con citas del ensayo del escritor y filósofo estadounidense Henry David Thoreau, Caminar (1862). Un gesto que conecta tiempos y tránsitos, entendiendo el itinerario libre como un espacio de encuentro, un transcurso de conexión con el medio y reflexión ensimismada.

Para la presentación del número 4 de LABOLA, Elia Torrecilla, directora del Festival Cuerpo (Rur)Urbano en Acción y quien dirige este número, y Alba González, la directora editorial de LABOLA, me invitan a realizar una performance. Lo que propongo es un ejercicio que comprende el devenir de una acción grabada que se convierte en página de revista-objeto, y que ahora vuelve a ser acción, en un ciclo creativo que traza un recorrido lleno de cruces que ahondan en una misma temática: la trayectoria, la dirección y el caminar. Camino rescata los sobrantes de Caminar para construir distintos tipos de recorridos. Sobre el suelo, conecto ramas de forma rizomática. Extiendo cintas de colores para liberar líneas abiertas, y posteriormente las enredo en mis pies, sumándole las ramas, en una nueva configuración corporal, híbrida, en una relación animal-vegetal confusa, donde el movimiento circular, el tránsito, la ruta y el paso se incorporan.

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PAPEL ENGOMADO. Una cajetilla de

Papel Engomado. Una cajetilla de es una exposición experimental que muestra el trabajo de la revista ensamblada Papel Engomado, un proyecto editorial independiente y autogestionado, que cuenta con más de una década de historia. Instalada en Valencia, la revista vuelve al Centro de Arte La Regenta, el lugar donde se fundó, para compartir cuáles han sido las claves, las motivaciones y las inquietudes que han hecho que esta cajetilla de tabaco reciclada aún goce de buena vida. 

Sus ediciones oscilan, con una gran promiscuidad, por temas como la identidad, las sexualidades disidentes, internet, los emoticonos o cuestiones nostálgicas. El carácter singular de Papel Engomado descansa en su largo listado de colaborador+s, más de 90. Agentes activos del mundo del arte contemporáneo del ámbito nacional e internacional, que se han volcado en un proyecto de pequeñas dimensiones. Esta exposición se centra en las dinámicas contagiosas que han conducido a sus creadoras a operar desde lo micro. 

Este ejercicio expositivo poroso busca nutrirse de las ideas de revisión, resumen y compilación, para a su vez trascenderlas. Y de este modo mezclar capas textuales, objetuales e informativas que recorren estos once años de actividad. Papel Engomado abre su particular contexto, de creación y de autoedición, para que tú, como audiencia, puedas plegar y desplegar, y así vivenciar en primera persona aquello que implica el hacer con las manos. Unas pautas orientativas te acompañan en la elaboración de tu propio número. 

¿Podemos hablar de resultados? Quizás no. Aunque aspiramos a elaborar un número de Papel Engomado abierto, sin serie predefinida, como combinación aleatoria, impredecible, diversa. La exposición puede ser contemplada como un laboratorio en el cual explorar la producción artística como praxis. Y así incitar a que dialoguen, se miren y se encuentren el cuerpo, el tacto, la imagen, la palabra, el espacio, el sonido y la memoria. 

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Ho un’infinita fame d’amore

¿Cuáles han sido las historias que nos han llegado a través de las imágenes en las que hombres mantienen relaciones sexoafectivas con otros hombres? ¿Qué imaginario construyen? ¿Qué referentes establecen? Con Ho un’infinita fame d’amore me apropio de imágenes del cine para reconstruirlas con semen de un amante o examante propio. Una técnica mixta en la que el semen se mezcla con acuarela y se sella con akril. Dibujo sobre papel negro para aproximarme a la nostalgia de los carteles pintados a mano en los cines antiguos.

El título lo extraigo de un poema de Pier Paolo Pasolini, Supplica a mia madre (1964), cuyos versos dicen “E non voglio esser solo. Ho un’infinita fame / d’amore, dell’amore di corpi senza anima.”, que podríamos traducir como “Y no quiero estar solo. Tengo hambre infinita / de amor, de amor de cuerpos sin alma.” Me intereso por esta hambre infinita, que roba fotogramas y eyaculaciones, para preguntarme sobre el deseo gay, su construcción, sus anhelos, su manera de interrelacionarse con las subjetividades en busca de sexo, afectividad y amor.  

Brokeback Mountain (Alberto), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Call me by your name (Leo), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Diferente (Sergio) , 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

El desconocido del lago (Manolo) , 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Great Freedom (Mariluz) , 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

La ley del deseo (Albert) , 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Querelle (Martín), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

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los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo

Parto de la máxima de Ludwig Wittgenstein, “los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo”, para crear una performance coral en la que participan ocho performers. Primero aparecen cuatro individuos vestidos de calle. Se desnudan lentamente, despojándose de las capas que construyen su identidad. A continuación, cuatro performers vestidos de riguroso negro despliegan sendos plásticos para enrollar los cuatro cuerpos desnudos. Estos plásticos están intervenidos con rotulador negro, en ellos se ha escrito la frase de Wittgenstein, sin descanso. Una vez los precintan y les ayudan a ponerse en pie, los cuerpos emprenden un deambular por un espacio en el que se quedan solos. De las bobinas sobresalen los pies para facilitar un movimiento lúgubre de opresión, encierro y desencuentro, sin rumbo, como entes autistas. Tras unos minutos, los performers de negro reaparecen para retirarles los plásticos. Sus pieles de pronto aparecen llenas de trazos, se ha transferido el texto escrito de modo ininteligible. Esta pieza concebida como una videoperformance habla de identidad e incomunicación, revelando los límites del cuerpo y del lenguaje como uno mismo.

los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo. 2019. Vídeo de 26’ 31”. Edición única. Monocanal / Formato .mp4 / Color / Sonido

Performers: Joaquín Artime, Judith Álvarez, Enrique Ferré, Miriam Gascón, Cristian Gil, Joana Mollà, Alicia Robles, Maibet Valdés.

Cámara: Carmelo Gabaldón.

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Entre líneas

Entre líneas es una instalación donde un vídeo se proyecta sobre cinco elementos. En este vídeo, un texto aparece y desaparece con un efecto de lluvia, relacionando el fluir de la información digital con un proceso natural, poniendo en crisis la manera en que ésta se genera. Se repite una misma frase, “llueve cada día”, una y otra vez, solapándose sucesivamente. Después de cinco minutos se produce un exceso de texto superpuesto y la pantalla queda en blanco. Pocos segundos después, vuelve a aparecer la misma tipografía, esta vez en negro. El vídeo es un bucle infinito.

Los elementos sobre los que se proyecta son láminas de distintos materiales: plástico, papel vegetal, papel de calco negro y papel de calco amarillo. Objetos que se conectan con la transparencia o la transferencia. Estas láminas, de distintas medidas, están intervenidas con máquina de escribir. La tipografía, similar a la del vídeo, se estampan sin tinta, dejando su huella sobre la superficie de las hojas. Los textos se presentan al revés, sin signos de puntuación y sin espacios. Son relatos propios que hablan de desasosiego y trampa, rescatados para la ocasión y vueltos ininteligibles.

Sobre el papel de calco negro escribo con rotulador permanente, también negro, consiguiendo un efecto cobrizo. Sobre el papel vegetal más grande escribo con rotulador de tiza naranja (y se arruga). Bajo el papel vegetal más estrecho incorporo un papel blanco intervenido con rotulador naranja. En todos estos casos, escribo al revés la misma frase: Entre líneas. Ejercicio barroco que ofrece distintos niveles de lectura que compiten y se confunden. Se velan y se muestran.

entre líneas. 2016. Instalación. Medidas variables.

llueve cada día. Vídeo de 09’57”. Monocanal / formato .pm4 / Blanco y negro / Sonido.

Papeles. Papel de calco negro intervenido con rotulador permanente negro, papel de calco amarillo, papel vegetal y plástico hendidos con máquina de escribir, rotulador naranja sobre papel, rotulador naranja sobre papel vegetal hendido con máquina de escribir. Medidas varias.

Papel calco negro 02. Papel de calco negro hendido con máquina de escribir e intervenido con rotulador negro. 27x21cm.

Papel calco amarillo 02. Papel de calco amarillo hendido con máquina de escribir. 22x21cm.

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Detrás del fuego

Escribo sobre la superficie del cristal del tríptico al calor del hogar un mensaje con rotulador amarillo, “que arda”. Con el paso del tiempo, el acrílico se irá deteriorando para revelar la imagen que se halla debajo. En esta ocasión, para presentar el conjunto de fotografías, preparo una serie de letanías en distintos materiales con la intención de potenciar o contradecir la letanía original. Tomo el calor, lo frágil y lo efímero como puntos de referencia para expandir la pieza. Intervengo con carboncillo una moqueta. Troquelo una manta térmica. Con ello pongo en cuestión los materiales con los que construir o no una obra artística, incidiendo en su escasa perdurabilidad. Detrás del fuego se pregunta qué es lo que queda después.

Detrás del fuego. 2019. Instalación. Tríptico fotográfico intervenido con rotulador amarillo, manta térmica troquelada, imanes y carboncillo sobre moqueta gris. Medidas variables.

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lo irreferenciable

Lo irreferenciable es un conjunto de piezas que nacen de la paradoja de escribir con un rotulador que sirve para subrayar el texto. Sobre papel kraft blanco escribo con subrayador de un color por un lado y de otro por el opuesto. El papel se extiende, se adapta a la superficie, se repliega, se acumula y se arruga, expandiéndose y contrayéndose en un juego formal que deja ver ambas caras.

lo irreferenciable – azul sobre naranja. 2016. Subrayador azul y naranja sobre papel kraft blanco. Group Show, Kir Royal Gallery, Madrid. Medidas variables.

lo irreferenciable – amarillo sobre rojo. 2016. Subrayador amarillo y rojo sobre papel kraft blanco. Group Show, Kir Royal Gallery, Madrid. Medidas variables.

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Rotcafeneb le. Susan Sontag

El benefactor (1963) es la primera novela de Susan Sontag. Históricamente, la crítica literaria ha considerado las novelas de la filósofa y ensayista como piezas fallidas. Esta concepción del error o lo malogrado se puede relacionar con lo desviado o lo incorrecto, pudiendo convertirse en sinónimos de lo queer. Del escrito selecciono extractos en los que aparece un personaje abiertamente homosexual, Jean-Jacques; un escritor, exboxeador y prostituto que actúa como maestro intelectual y espiritual del protagonista. Para dar vida a Jean-Jacques, Sontag se inspira en el autor francés Jean Genet, una de sus influencias. La excentricidad con la que dibuja a este personaje colisiona con una serie de ideas sobre lo que es o no es la homosexualidad masculina.

En esta performance de Inversiones, antes de leer las distintas operaciones de inversión del lenguaje, me maquillo el rostro con una franja roja. Adapto uno de los sueños del protagonista en el que le diseccionan la cara. Aquí el cubrir se convierte en un ejercicio metafórico que no solo subraya, sino que también descarna y revela.

Inversiones – Rotcafeneb le. Susan Sontag. 28 de marzo de 2023. Performance en Acción Spring(t). VI Congreso de Arte de Acción en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. 20’.

Fotos: M.Lohrum y Acción Spring(t).

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Roto

Roto es una acción donde continúo la investigación iniciada en Tranx. Me presento vestido con una sudadera blanca, calzoncillos y calcetines también blancos. Sobre la sudadera coloco letras de hielo construyendo la palabra «ROTO». Estas letras están hechas con agua tintada de color azul, morado y carmín. De forma progresiva, el hielo se derrite, la ropa se empapa, los colores se entremezclan. Me valgo de signos, desordenados, sin sentido aparente, para mediante el peso, la fricción o la espera, deshacerlos y asimilarlos. Si los colores vuelven a simbolizar el género y el lenguaje un elemento hiriente que quema y daña, en la acción ambos se disuelven para ser absorbidos sobre un mismo cuerpo, un cuerpo que se presenta inestable, desarticulado, atomizado, roto.

Roto. 29 de abril de 2023. Performance en La Mutant Espai d’Arts Vives. València. 45’.

Fotos: Raúl Sánchez para La Mutant, y Vicente Aguado.

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Sudadera blanca teñida de colorante azul y carmín. 77x100x4 cm.

Calzoncillos blancos teñidos de colorante azul y carmín. 33x44x4 cm.

Calcetines blancos teñidos de colorante azul y carmín. 33x28x4 cm.

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Flujos

Tal y como expone Boris Groys en Bajo sospecha: una fenomenología de los medios (2000), en cualquier texto no se pueden controlar las fronteras entre el sentido y el sinsentido. Estas fronteras se diluyen, “surge una masa de signos que fluye en el espacio y en el tiempo, infinita, desestructurada, en movimiento continuo, que se escapa a todo control, descripción y comprensión conscientes”. Este infinito juego de los signos, con sus diferencias, simulacros y códigos, no sólo no puede ser abarcado ni comprendido, sino que tampoco puede vivenciarse como una unidad sublime. Los signos fluyen continua e infinitamente sin poder ser captados.

Trato de visibilizar este fluir de los signos a través de obras de distintas disciplinas: la instalación, el vídeo y la performance. En ellas compacto el lenguaje, lo manipulo, lo codifico, lo saturo, lo torno ilegible, para construir una barrera social, cultural y física.

En esta ocasión escojo dos vídeos en los que el fluir de la información digital se relaciona con un proceso natural o, por el contrario, con un proceso mecánico. De esta manera se pone en crisis la forma en que la información se genera. En cada uno, aparece una misma frase “Llueve cada día”, “Donde antes dije digo”, que se repite una y otra vez, solapándose de forma sucesiva, viajando del blanco al negro en un bucle infinito. Ambos films contienen sonidos que inciden en sus naturalezas y preocupaciones.

Si el lenguaje escrito debería otorgar comunicación, aquí se convierte en una cortina textual, como frontera inabarcable. Una cortina que fomenta la alteridad para destruir nuestra percepción del espacio de la pantalla y de lo literario.

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