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La Queermix se inaugura el 14 de diciembre de 2019 en Misterpink Contemporary Art Projects (C/ Guillem de Castro, 110, València). Esta exposición colectiva recoge, a modo de muestra, una selección de trabajos que hablan, desde posicionamientos actuales, plurales y diversos, de identidad y género. Las propuestas artísticas revisan conceptos como el de Historia, el de biografía o el de literatura universal para construir imaginarios queers. Carmelo Gabaldón, Roberta Marrero, Pepe Miralles, y los grupos de artistas O.R.G.I.A y Tactelgraphics ponen en común y dialogan en un espacio heterogéneo e inclusivo. En esta ocasión, el texto de sala lo escribe la drag queen Liz Dust. Un texto que asume su protagonismo como pieza libre que se añade a la cadena.

El origen de la palabra inglesa queer se liga al siglo XVIII donde se empleaba para referirse al tramposo, al borracho y a la oveja negra, pero también a todo aquel que no se pudiese reconocer inmediatamente como hombre o mujer. Hoy se sigue usando para indicar lo ‘torcido’, lo ‘raro’. La palabra dejó de ser un instrumento de represión social para convertirse, empleada por el colectivo LGTBI, en un espacio de acción política. Queer representa las sexualidades, los afectos y los géneros que traspasan las fronteras de lo aceptado socialmente, aquello que impone el heteropartriarcado desde lo straight, lo ‘recto’, relacionándolo con una vida heterosexual, monógama entre personas de la misma edad y clase social.

La queermix es una exposición colectiva que une una serie de autores españoles con una actitud reivindicativa y activa, tanto en sus vidas personales como en su producción artística, cuestionan las producciones y discursos de la heteronormatividad. Para ello emplean estrategias como el apropiacionismo de relatos, imágenes e iconos.

O.R.G.I.A transforma la Historia del Arte mediante la dislocación de aquello que creíamos saber porque fue así como nos lo contaron, pervierte el relato oficial, le da la vuelta para lograr una ruptura con él. De forma paralela, Pepe Miralles realiza una operación de reasignación de palabras, cambiándole el género a un personaje de una novela histórica para que el espectador pueda percibir cómo este gesto mínimo altera radicalmente la percepción del conjunto. Carmelo Gabaldón también echa la vista atrás y rescata una fotografía de su niñez que durante años le avergonzó, poniendo en práctica la aceptación y el orgullo en un ejercicio de doble exposición. Por su parte, Tactelgraphics realiza una puesta en escena que busca el grado cero de su imaginario, el origen de su universo particular. Por último, Roberta Marrero propone un panel de imágenes y mensajes de los ídolos que le ayudaron a constituir su identidad.

La queermix agita, bate, compone, pero no mezcla. Todo cabe. Todo se incluye. Ecléctica, plural y diversa, favorece la construcción de otra historia, la suya propia.

La Queermix, 2019, obras de Roberta Marrero, Tactelgraphics, Pepe Miralles, O.R.G.I.A y Carmelo Gabaldón, en Misterpink Contemporary Art Projects, València.

En 2024, la revista-objeto Papel Engomado dedica un número a Liz Dust, una de las drags más importantes del panorama valenciano. Este número travesti invita a drag queens, drag kings y artistas a producir piezas artísticas de pequeño formato que repiensan la figura de l+ travesti como un elemento nuclear para la disrupción de género, ayudando a desarticular esquemas caducos en beneficio de un progreso social. Participan Cabello/Carceller, Isabel do Diego, Èlan Dorphium, La Errería (House of Bent), Hugáceo Crujiente, Marcus Massalami y la propia Liz Dust. Escribe el texto el colectivo O.R.G.I.A.

Con motivo de este número, se organizamos Revolución travesti. Poner la cara: calles y redes (4 octubre de 2024, Auditori Alfons Roig de la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València), una jornada en la que invitamos a Liz Dust, a l+ drag king Marcus Massalami y l+ drag Hugáceo Crujiente para que, en una mesa redonda, expongan sus experiencias en la calle, en la noche y en las redes. Vertebrando un discurso que parte de lo personal y se dirige a lo público, oscilando entre el reconocimiento y el rechazo. Después realizarán un taller en el que ayudarán a 25 asistentes inscrit+s a transformar su apariencia y encontrar su lado drag. 

L+s travestis encarnan discontinuidades entre sexo y género, en un juego de roles que (de)muestra la permeabilidad de los límites entre ser y actuar. Como si estos roles pudiesen imitarse e interpretarse, en una performatividad anunciada por Judith Butler (2007), eso sí, conducida a la parodia. Con ello cuestionan las normas impuestas por el heteropatriarcado, produciendo yuxtaposiciones incongruentes entre lo masculino y lo femenino. El halo teatral del que se valen recalca que lo importante no es ser sino parecer, constituyendo “una parte importante de las negociaciones sociales sobre el sentido del género, y no sólo en el terreno de la escena.” (Jack Halberstam, 2008).

Esta jornada se lleva a cabo gracias a las ayudas PC_ACTS 2024. Propuestas Culturales de Arte, Ciencia, Tecnología y Sociedad del Área de Acción Cultural de la Universitat Politècnica de València, al decanato de la Facultad de Bellas Artes y al grupo de investigación LCI. Laboratorio de Creaciones Intermedia (Departamento de Escultura, Facultad de Bellas Artes).

REVOLUCIÓN TRAVESTI. Poner la cara: calles y redes. 4 de octubre de 2024. Charla-taller travesti con Liz Dust, Marcus Massalami y Hugáceo Crujiente. Auditori Alfons Roig, Facultad de Bellas Artes. Universitat Politècnica de València.

En el taller, nuestr+s invitad+s ayudan a 25 personas inscrit+s previamente a transformarse en travestis gracias a sus recomendaciones sobre maquillaje y performatividad, con estrategias que deshacen las normas estancas del género. Así, “REVOLUCIÓN TRAVESTI” se convierte en un espacio de expresión corporal, empoderamiento y experimentación de la identidad, posibilitando otras maneras de ser y de estar.

Queremos agradecer a quienes nos han prestado y donado material para llevar a cabo el taller: Nacho Berenguer, Cristina Martí, 3 Studio Art – Micropigmentación y maquillaje en Valencia, y especialmente a Miguel Fortea. También a Lola Carbonell y Marina Marco por ayudarnos con la documentación.

Hemos entregado las donaciones de material a Guiu Gimeno Bardis y Maria Laudes para futuras ediciones de su proyecto Parkuir.

REVOLUCIÓN TRAVESTI. Poner la cara: calles y redes. 4 de octubre de 2024. Charla-taller travesti con Liz Dust, Marcus Massalami y Hugáceo Crujiente. Auditori Alfons Roig, Facultad de Bellas Artes. Universitat Politècnica de València.

Una esfera de cristal contiene 1500 canicas de distintos tamaños, materiales y colores. En la sala de Dados Negros. Centro de Holografía y Arte trazo, con precinto negro, dos líneas divergentes, como el gráfico del Principio de Indeterminación de Heisenberg. Arrodillado frente a la esfera, cojo una canica rugosa, la observo, la suelto y la dejo rodar, contemplando su dirección hasta que se detiene. Hago lo mismo con una canica grande. Con los anulares de cada mano saco una canica diminuta y repito la operación. A continuación, de forma gradual, sustraigo dos canicas, tres, cuatro, cinco, diez, un puñado. Las libero. Ruedan, se alejan, se expanden, se juntan, en una exploración de lo azaroso, lo arbitrario y lo fortuito. A manos llenas, las extraigo y tiro, cada vez con más velocidad. Se dirigen en todas direcciones, chocan, cambian su trayectoria. El sonido se suma a un movimiento imprevisible. Llegan a los pies del público, quienes, apelados, lanzan las canicas en otros derroteros. Cuando apenas quedan unas pocas canicas en la esfera, me levanto y las vuelco. Una vez están todas en el suelo, me desplazo por el espacio, las recupero y las guardo en mis bolsillos, en el doblez de los pantalones, en la boca, en las orejas. De forma espontánea, la audiencia también las recoge y las devuelve a la esfera, con tanto ahínco que la acaban rompiendo. De esta forma se manifiesta lo inesperado. Mientras, yo las reagrupo, tratando de amontonarlas entre las dos líneas con la intención de escribir la palabra “DUDA”. Fijar un conjunto de esferas se convierte en un trabajo paciente, arduo y tedioso. El más mínimo movimiento hace que todas se desplacen de su lugar. Resuelvo las letras cada vez con menos densidad. Cuando al fin tengo escrita la palabra, me sitúo descalzo encima. Levanto una pierna, me pongo de puntillas, camino, salto, corro. La palabra se deshace con tensiones y transformaciones. Cuerpo, objeto y texto interactúan, se relacionan, colisionan mediante la incertidumbre, el esfuerzo, la potencia, la zozobra y la angustia.

Principio de incertidumbre, 7 de octubre de 2023, performance en Contratiempo, Dados Negros. Centro de Holografía y Arte, Villanueva de los Infantes, Ciudad Real, 1h 45’.

               Fotos: Bea Castela, Jose Jurado, Luisa Pastor y Andrea Perissinoto.

En El deseo homosexual (1972), Guy Hocquenghem (2009), escritor francés y militante gay, habla de la sociedad fálica, de sus tecnologías y mecanismos. Como si solo existiese un órgano sexual, el falo; y en torno a él girase todo lo demás, estableciendo una jerarquía competencial en la que solo se asciende castrando a los demás. De ahí el gran valor del falo, porque constituye poder –el de todo individuo masculino– y organiza los espacios sociales. El ano, en oposición, permanece oculto en el terreno de lo privado (Gilles Deleuze y Félix Guattari, p. 74), en silencio, en soledad. El régimen heteronormativo no solo ha borrado las huellas de todo deseo anal, lo ha castrado (Preciado, 2009), reduciéndolo al terreno de la excreción. Dice Preciado en Terror anal (2009, p. 136), «el ano fue cosido, cerrado, sellado. Así nació el cuerpo privado. […] Así nacieron los hombres heterosexuales a finales del siglo XIX».

Ejercicios sobre el falo / Ejercicios sobre el ano es una serie de nueva creación que aborda las problemáticas que establece esta dualidad falo/ano, con tal de visibilizar, denunciar y remendar las tensiones e incomodidades que suscita hablar del ano como un órgano sexual sin género.

Para el PEPA. Pequeño Evento de Performance Art de enero de 2024 preparo una acción sencilla. Me meto la mano en los pantalones. Por la cremallera saco un dedo, me toco el sexo. Saco dos, tres, cuatro, la mano entera. Cada vez con más fuerza, excitación y violencia. La mano como extensión del falo se abre y cierra, se tensiona, palpita. Saltan los botones del pantalón. Me arrodillo, el miembro, ahora fálico y tentacular, llega al suelo, se mancha, se exhibe, estira y esconde. Me doy la vuelta. La mano asoma entre las piernas. Rígida, inflexible. Y azota el culo con furia.

Ejercicios sobre el falo. Falocentrismo, 20 de enero de 2024, performance en PEPA. Pequeño Evento de Performance Art enero de 2024 en EST_ART_SPACE, Alcobendas, Madrid, 4’.

Fotos: Carlos Felices y Susana SK.

Senda es un paseo libre que pretende superar obstáculos con tal de remitirnos a temas como la ecología, el tiempo, el avance, el viaje, el camino y las dificultades. Senda participa en la III Edición Festival Internacional de Performances Mínimas (Rur)Urbanas en Vídeo, del Festival Cuerpo (Rur)Urbano en Acción

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Senda, 2022, vídeo, edición de 3, monocanal / formato .pm4 / color / sonido, 1’26”.

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Cuando se me invita a participar en el número 4 de la revista-objeto LABOLA, para vincular el nuevo trabajo con Senda (2022), escojo el caminar como concepto nuclear. Mientras camino, se me ocurre una idea. Recojo ramitas secas durante un paseo, les sumo unas etiquetas con citas del ensayo del escritor y filósofo estadounidense Henry David Thoreau, Caminar (1862). Un gesto que conecta tiempos y tránsitos, entendiendo el itinerario libre como un espacio de encuentro, un transcurso de conexión con el medio y reflexión ensimismada.

Caminar, 2024, 100 piezas, ramas, hilo y rotulador sobre cartón, medidas variables.

Fotos: Almudena Soullard.

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Para la presentación del número 4 de LABOLA, Elia Torrecilla, directora del Festival Cuerpo (Rur)Urbano en Acción y quien dirige este número, y Alba González, la directora editorial de LABOLA, me invitan a realizar una performance. Lo que propongo es un ejercicio que comprende el devenir de una acción grabada que se convierte en página de revista-objeto, y que ahora vuelve a ser acción, en un ciclo creativo que traza un recorrido lleno de cruces que ahondan en una misma temática: la trayectoria, la dirección y el caminar. Camino rescata los sobrantes de Caminar para construir distintos tipos de recorridos. Sobre el suelo, conecto ramas de forma rizomática. Extiendo cintas de colores para liberar líneas abiertas, y posteriormente las enredo en mis pies, sumándole las ramas, en una nueva configuración corporal, híbrida, en una relación animal-vegetal confusa, donde el movimiento circular, el tránsito, la ruta y el paso se incorporan.

Camino, 11 de mayo de 2024, performance en el Fantastik Lab, València, 40’.

Fotos: Alba González, Celinda Ojeda y Elia Torrecilla.

Papel Engomado. Una cajetilla de es una exposición experimental que muestra el trabajo de la revista ensamblada Papel Engomado, un proyecto editorial independiente y autogestionado, que cuenta con más de una década de historia. Instalada en Valencia, la revista vuelve al Centro de Arte La Regenta, el lugar donde se fundó, para compartir cuáles han sido las claves, las motivaciones y las inquietudes que han hecho que esta cajetilla de tabaco reciclada aún goce de buena vida. 

Sus ediciones oscilan, con una gran promiscuidad, por temas como la identidad, las sexualidades disidentes, internet, los emoticonos o cuestiones nostálgicas. El carácter singular de Papel Engomado descansa en su largo listado de colaborador+s, más de 90. Agentes activos del mundo del arte contemporáneo del ámbito nacional e internacional, que se han volcado en un proyecto de pequeñas dimensiones. Esta exposición se centra en las dinámicas contagiosas que han conducido a sus creadoras a operar desde lo micro. 

Este ejercicio expositivo poroso busca nutrirse de las ideas de revisión, resumen y compilación, para a su vez trascenderlas. Y de este modo mezclar capas textuales, objetuales e informativas que recorren estos once años de actividad. Papel Engomado abre su particular contexto, de creación y de autoedición, para que tú, como audiencia, puedas plegar y desplegar, y así vivenciar en primera persona aquello que implica el hacer con las manos. Unas pautas orientativas te acompañan en la elaboración de tu propio número. 

¿Podemos hablar de resultados? Quizás no. Aunque aspiramos a elaborar un número de Papel Engomado abierto, sin serie predefinida, como combinación aleatoria, impredecible, diversa. La exposición puede ser contemplada como un laboratorio en el cual explorar la producción artística como praxis. Y así incitar a que dialoguen, se miren y se encuentren el cuerpo, el tacto, la imagen, la palabra, el espacio, el sonido y la memoria. 

Comisari+s: Joaquín Artime y M Reme Silvestre

PAPEL ENGOMADO. Una cajetilla de, 2023, Centro de Arte La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria.

 Exposición realizada gracias a una Ayuda Postdoctoral Margarita Salas en la Universitat Politècnica de València. Financiada por el Ministerio de Universidades y la Union Europea – Next Generation EU.

¿Cuáles han sido las historias que nos han llegado a través de las imágenes en las que hombres mantienen relaciones sexoafectivas con otros hombres? ¿Qué imaginario construyen? ¿Qué referentes establecen? Con Ho un’infinita fame d’amore me apropio de imágenes del cine para reconstruirlas con semen de un amante o examante propio. Una técnica mixta en la que el semen se mezcla con acuarela y se sella con akril. Dibujo sobre papel negro para aproximarme a la nostalgia de los carteles pintados a mano en los cines antiguos.

El título lo extraigo de un poema de Pier Paolo Pasolini, Supplica a mia madre (1964), cuyos versos dicen “E non voglio esser solo. Ho un’infinita fame / d’amore, dell’amore di corpi senza anima.”, que podríamos traducir como “Y no quiero estar solo. Tengo hambre infinita / de amor, de amor de cuerpos sin alma.” Me intereso por esta hambre infinita, que roba fotogramas y eyaculaciones, para preguntarme sobre el deseo gay, su construcción, sus anhelos, su manera de interrelacionarse con las subjetividades en busca de sexo, afectividad y amor.  

Brokeback Mountain (Alberto), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Call me by your name (Leo), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Diferente (Sergio), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

El desconocido del lago (Manolo), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Great Freedom (Mariluz), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

La ley del deseo (Albert) , 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Querelle (Martín), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Obra realizada gracias a una Ayuda Postdoctoral Margarita Salas en la Universitat Politècnica de València. Financiada por el Ministerio de Universidades y la Union Europea – Next Generation EU.

Parto de la máxima de Ludwig Wittgenstein, “los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo”, para crear una performance coral en la que participan ocho performers. Primero aparecen cuatro individuos vestidos de calle. Se desnudan lentamente, despojándose de las capas que construyen su identidad. A continuación, cuatro performers vestidos de riguroso negro despliegan sendos plásticos para enrollar los cuatro cuerpos desnudos. Estos plásticos están intervenidos con rotulador negro, en ellos se ha escrito la frase de Wittgenstein, sin descanso. Una vez los precintan y les ayudan a ponerse en pie, los cuerpos emprenden un deambular por un espacio en el que se quedan solos. De las bobinas sobresalen los pies para facilitar un movimiento lúgubre de opresión, encierro y desencuentro, sin rumbo, como entes autistas. Tras unos minutos, los performers de negro reaparecen para retirarles los plásticos. Sus pieles de pronto aparecen llenas de trazos, se ha transferido el texto escrito de modo ininteligible. Esta pieza concebida como una videoperformance habla de identidad e incomunicación, revelando los límites del cuerpo y del lenguaje como uno mismo.

los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo. 2019. Vídeo de 26’ 31”. Edición única. Monocanal / Formato .mp4 / Color / Sonido

Performers: Joaquín Artime, Judith Álvarez, Enrique Ferré, Miriam Gascón, Cristian Gil, Joana Mollà, Alicia Robles, Maibet Valdés.

Cámara: Carmelo Gabaldón.

Entre líneas es una instalación donde un vídeo se proyecta sobre cinco elementos. En este vídeo, un texto aparece y desaparece con un efecto de lluvia, relacionando el fluir de la información digital con un proceso natural, poniendo en crisis la manera en que ésta se genera. Se repite una misma frase, “llueve cada día”, una y otra vez, solapándose sucesivamente. Después de cinco minutos se produce un exceso de texto superpuesto y la pantalla queda en blanco. Pocos segundos después, vuelve a aparecer la misma tipografía, esta vez en negro. El vídeo es un bucle infinito.

Los elementos sobre los que se proyecta son láminas de distintos materiales: plástico, papel vegetal, papel de calco negro y papel de calco amarillo. Objetos que se conectan con la transparencia o la transferencia. Estas láminas, de distintas medidas, están intervenidas con máquina de escribir. La tipografía, similar a la del vídeo, se estampan sin tinta, dejando su huella sobre la superficie de las hojas. Los textos se presentan al revés, sin signos de puntuación y sin espacios. Son relatos propios que hablan de desasosiego y trampa, rescatados para la ocasión y vueltos ininteligibles.

Sobre el papel de calco negro escribo con rotulador permanente, también negro, consiguiendo un efecto cobrizo. Sobre el papel vegetal más grande escribo con rotulador de tiza naranja (y se arruga). Bajo el papel vegetal más estrecho incorporo un papel blanco intervenido con rotulador naranja. En todos estos casos, escribo al revés la misma frase: Entre líneas. Ejercicio barroco que ofrece distintos niveles de lectura que compiten y se confunden. Se velan y se muestran.

entre líneas. 2016. Instalación. Medidas variables.

llueve cada día. Vídeo de 09’57”. Monocanal / formato .pm4 / Blanco y negro / Sonido.

Papeles. Papel de calco negro intervenido con rotulador permanente negro, papel de calco amarillo, papel vegetal y plástico hendidos con máquina de escribir, rotulador naranja sobre papel, rotulador naranja sobre papel vegetal hendido con máquina de escribir. Medidas varias.

Papel calco negro 02. Papel de calco negro hendido con máquina de escribir e intervenido con rotulador negro. 27x21cm.

Papel calco amarillo 02. Papel de calco amarillo hendido con máquina de escribir. 22x21cm.

Escribo sobre la superficie del cristal del tríptico al calor del hogar un mensaje con rotulador amarillo, “que arda”. Con el paso del tiempo, el acrílico se irá deteriorando para revelar la imagen que se halla debajo. En esta ocasión, para presentar el conjunto de fotografías, preparo una serie de letanías en distintos materiales con la intención de potenciar o contradecir la letanía original. Tomo el calor, lo frágil y lo efímero como puntos de referencia para expandir la pieza. Intervengo con carboncillo una moqueta. Troquelo una manta térmica. Con ello pongo en cuestión los materiales con los que construir o no una obra artística, incidiendo en su escasa perdurabilidad. Detrás del fuego se pregunta qué es lo que queda después.

Detrás del fuego. 2019. Instalación. Tríptico fotográfico intervenido con rotulador amarillo, manta térmica troquelada, imanes y carboncillo sobre moqueta gris. Medidas variables.