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Una esfera de cristal contiene 1500 canicas de distintos tamaños, materiales y colores. En la sala de Dados Negros. Centro de Holografía y Arte trazo, con precinto negro, dos líneas divergentes, como el gráfico del Principio de Indeterminación de Heisenberg. Arrodillado frente a la esfera, cojo una canica rugosa, la observo, la suelto y la dejo rodar, contemplando su dirección hasta que se detiene. Hago lo mismo con una canica grande. Con los anulares de cada mano saco una canica diminuta y repito la operación. A continuación, de forma gradual, sustraigo dos canicas, tres, cuatro, cinco, diez, un puñado. Las libero. Ruedan, se alejan, se expanden, se juntan, en una exploración de lo azaroso, lo arbitrario y lo fortuito. A manos llenas, las extraigo y tiro, cada vez con más velocidad. Se dirigen en todas direcciones, chocan, cambian su trayectoria. El sonido se suma a un movimiento imprevisible. Llegan a los pies del público, quienes, apelados, lanzan las canicas en otros derroteros. Cuando apenas quedan unas pocas canicas en la esfera, me levanto y las vuelco. Una vez están todas en el suelo, me desplazo por el espacio, las recupero y las guardo en mis bolsillos, en el doblez de los pantalones, en la boca, en las orejas. De forma espontánea, la audiencia también las recoge y las devuelve a la esfera, con tanto ahínco que la acaban rompiendo. De esta forma se manifiesta lo inesperado. Mientras, yo las reagrupo, tratando de amontonarlas entre las dos líneas con la intención de escribir la palabra “DUDA”. Fijar un conjunto de esferas se convierte en un trabajo paciente, arduo y tedioso. El más mínimo movimiento hace que todas se desplacen de su lugar. Resuelvo las letras cada vez con menos densidad. Cuando al fin tengo escrita la palabra, me sitúo descalzo encima. Levanto una pierna, me pongo de puntillas, camino, salto, corro. La palabra se deshace con tensiones y transformaciones. Cuerpo, objeto y texto interactúan, se relacionan, colisionan mediante la incertidumbre, el esfuerzo, la potencia, la zozobra y la angustia.

Principio de incertidumbre, 7 de octubre de 2023, performance en Contratiempo, Dados Negros. Centro de Holografía y Arte, Villanueva de los Infantes, Ciudad Real, 1h 45’.

               Fotos: Bea Castela, Jose Jurado, Luisa Pastor y Andrea Perissinoto.

En El deseo homosexual (1972), Guy Hocquenghem (2009), escritor francés y militante gay, habla de la sociedad fálica, de sus tecnologías y mecanismos. Como si solo existiese un órgano sexual, el falo; y en torno a él girase todo lo demás, estableciendo una jerarquía competencial en la que solo se asciende castrando a los demás. De ahí el gran valor del falo, porque constituye poder –el de todo individuo masculino– y organiza los espacios sociales. El ano, en oposición, permanece oculto en el terreno de lo privado (Gilles Deleuze y Félix Guattari, p. 74), en silencio, en soledad. El régimen heteronormativo no solo ha borrado las huellas de todo deseo anal, lo ha castrado (Preciado, 2009), reduciéndolo al terreno de la excreción. Dice Preciado en Terror anal (2009, p. 136), «el ano fue cosido, cerrado, sellado. Así nació el cuerpo privado. […] Así nacieron los hombres heterosexuales a finales del siglo XIX».

Ejercicios sobre el falo / Ejercicios sobre el ano es una serie de nueva creación que aborda las problemáticas que establece esta dualidad falo/ano, con tal de visibilizar, denunciar y remendar las tensiones e incomodidades que suscita hablar del ano como un órgano sexual sin género.

Para el PEPA. Pequeño Evento de Performance Art de enero de 2024 preparo una acción sencilla. Me meto la mano en los pantalones. Por la cremallera saco un dedo, me toco el sexo. Saco dos, tres, cuatro, la mano entera. Cada vez con más fuerza, excitación y violencia. La mano como extensión del falo se abre y cierra, se tensiona, palpita. Saltan los botones del pantalón. Me arrodillo, el miembro, ahora fálico y tentacular, llega al suelo, se mancha, se exhibe, estira y esconde. Me doy la vuelta. La mano asoma entre las piernas. Rígida, inflexible. Y azota el culo con furia.

Ejercicios sobre el falo. Falocentrismo, 20 de enero de 2024, performance en PEPA. Pequeño Evento de Performance Art enero de 2024 en EST_ART_SPACE, Alcobendas, Madrid, 4’.

Fotos: Carlos Felices y Susana SK.

Senda es un paseo libre que pretende superar obstáculos con tal de remitirnos a temas como la ecología, el tiempo, el avance, el viaje, el camino y las dificultades. Senda participa en la III Edición Festival Internacional de Performances Mínimas (Rur)Urbanas en Vídeo, del Festival Cuerpo (Rur)Urbano en Acción

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Senda, 2022, vídeo, edición de 3, monocanal / formato .pm4 / color / sonido, 1’26”.

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Cuando se me invita a participar en el número 4 de la revista-objeto LABOLA, para vincular el nuevo trabajo con Senda (2022), escojo el caminar como concepto nuclear. Mientras camino, se me ocurre una idea. Recojo ramitas secas durante un paseo, les sumo unas etiquetas con citas del ensayo del escritor y filósofo estadounidense Henry David Thoreau, Caminar (1862). Un gesto que conecta tiempos y tránsitos, entendiendo el itinerario libre como un espacio de encuentro, un transcurso de conexión con el medio y reflexión ensimismada.

Caminar, 2024, 100 piezas, ramas, hilo y rotulador sobre cartón, medidas variables.

Fotos: Almudena Soullard.

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Para la presentación del número 4 de LABOLA, Elia Torrecilla, directora del Festival Cuerpo (Rur)Urbano en Acción y quien dirige este número, y Alba González, la directora editorial de LABOLA, me invitan a realizar una performance. Lo que propongo es un ejercicio que comprende el devenir de una acción grabada que se convierte en página de revista-objeto, y que ahora vuelve a ser acción, en un ciclo creativo que traza un recorrido lleno de cruces que ahondan en una misma temática: la trayectoria, la dirección y el caminar. Camino rescata los sobrantes de Caminar para construir distintos tipos de recorridos. Sobre el suelo, conecto ramas de forma rizomática. Extiendo cintas de colores para liberar líneas abiertas, y posteriormente las enredo en mis pies, sumándole las ramas, en una nueva configuración corporal, híbrida, en una relación animal-vegetal confusa, donde el movimiento circular, el tránsito, la ruta y el paso se incorporan.

Camino, 11 de mayo de 2024, performance en el Fantastik Lab, València, 40’.

Fotos: Alba González, Celinda Ojeda y Elia Torrecilla.

Papel Engomado. Una cajetilla de es una exposición experimental que muestra el trabajo de la revista ensamblada Papel Engomado, un proyecto editorial independiente y autogestionado, que cuenta con más de una década de historia. Instalada en Valencia, la revista vuelve al Centro de Arte La Regenta, el lugar donde se fundó, para compartir cuáles han sido las claves, las motivaciones y las inquietudes que han hecho que esta cajetilla de tabaco reciclada aún goce de buena vida. 

Sus ediciones oscilan, con una gran promiscuidad, por temas como la identidad, las sexualidades disidentes, internet, los emoticonos o cuestiones nostálgicas. El carácter singular de Papel Engomado descansa en su largo listado de colaborador+s, más de 90. Agentes activos del mundo del arte contemporáneo del ámbito nacional e internacional, que se han volcado en un proyecto de pequeñas dimensiones. Esta exposición se centra en las dinámicas contagiosas que han conducido a sus creadoras a operar desde lo micro. 

Este ejercicio expositivo poroso busca nutrirse de las ideas de revisión, resumen y compilación, para a su vez trascenderlas. Y de este modo mezclar capas textuales, objetuales e informativas que recorren estos once años de actividad. Papel Engomado abre su particular contexto, de creación y de autoedición, para que tú, como audiencia, puedas plegar y desplegar, y así vivenciar en primera persona aquello que implica el hacer con las manos. Unas pautas orientativas te acompañan en la elaboración de tu propio número. 

¿Podemos hablar de resultados? Quizás no. Aunque aspiramos a elaborar un número de Papel Engomado abierto, sin serie predefinida, como combinación aleatoria, impredecible, diversa. La exposición puede ser contemplada como un laboratorio en el cual explorar la producción artística como praxis. Y así incitar a que dialoguen, se miren y se encuentren el cuerpo, el tacto, la imagen, la palabra, el espacio, el sonido y la memoria. 

Comisari+s: Joaquín Artime y M Reme Silvestre

PAPEL ENGOMADO. Una cajetilla de, 2023, Centro de Arte La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria.

 Exposición realizada gracias a una Ayuda Postdoctoral Margarita Salas en la Universitat Politècnica de València. Financiada por el Ministerio de Universidades y la Union Europea – Next Generation EU.

¿Cuáles han sido las historias que nos han llegado a través de las imágenes en las que hombres mantienen relaciones sexoafectivas con otros hombres? ¿Qué imaginario construyen? ¿Qué referentes establecen? Con Ho un’infinita fame d’amore me apropio de imágenes del cine para reconstruirlas con semen de un amante o examante propio. Una técnica mixta en la que el semen se mezcla con acuarela y se sella con akril. Dibujo sobre papel negro para aproximarme a la nostalgia de los carteles pintados a mano en los cines antiguos.

El título lo extraigo de un poema de Pier Paolo Pasolini, Supplica a mia madre (1964), cuyos versos dicen “E non voglio esser solo. Ho un’infinita fame / d’amore, dell’amore di corpi senza anima.”, que podríamos traducir como “Y no quiero estar solo. Tengo hambre infinita / de amor, de amor de cuerpos sin alma.” Me intereso por esta hambre infinita, que roba fotogramas y eyaculaciones, para preguntarme sobre el deseo gay, su construcción, sus anhelos, su manera de interrelacionarse con las subjetividades en busca de sexo, afectividad y amor.  

Brokeback Mountain (Alberto), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Call me by your name (Leo), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Diferente (Sergio), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

El desconocido del lago (Manolo), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Great Freedom (Mariluz), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

La ley del deseo (Albert) , 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Querelle (Martín), 2023. Semen, acuarela blanca y akril sobre papel negro. 13,4×29,7 cm.

Obra realizada gracias a una Ayuda Postdoctoral Margarita Salas en la Universitat Politècnica de València. Financiada por el Ministerio de Universidades y la Union Europea – Next Generation EU.

Parto de la máxima de Ludwig Wittgenstein, “los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo”, para crear una performance coral en la que participan ocho performers. Primero aparecen cuatro individuos vestidos de calle. Se desnudan lentamente, despojándose de las capas que construyen su identidad. A continuación, cuatro performers vestidos de riguroso negro despliegan sendos plásticos para enrollar los cuatro cuerpos desnudos. Estos plásticos están intervenidos con rotulador negro, en ellos se ha escrito la frase de Wittgenstein, sin descanso. Una vez los precintan y les ayudan a ponerse en pie, los cuerpos emprenden un deambular por un espacio en el que se quedan solos. De las bobinas sobresalen los pies para facilitar un movimiento lúgubre de opresión, encierro y desencuentro, sin rumbo, como entes autistas. Tras unos minutos, los performers de negro reaparecen para retirarles los plásticos. Sus pieles de pronto aparecen llenas de trazos, se ha transferido el texto escrito de modo ininteligible. Esta pieza concebida como una videoperformance habla de identidad e incomunicación, revelando los límites del cuerpo y del lenguaje como uno mismo.

los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo. 2019. Vídeo de 26’ 31”. Edición única. Monocanal / Formato .mp4 / Color / Sonido

Performers: Joaquín Artime, Judith Álvarez, Enrique Ferré, Miriam Gascón, Cristian Gil, Joana Mollà, Alicia Robles, Maibet Valdés.

Cámara: Carmelo Gabaldón.

Entre líneas es una instalación donde un vídeo se proyecta sobre cinco elementos. En este vídeo, un texto aparece y desaparece con un efecto de lluvia, relacionando el fluir de la información digital con un proceso natural, poniendo en crisis la manera en que ésta se genera. Se repite una misma frase, “llueve cada día”, una y otra vez, solapándose sucesivamente. Después de cinco minutos se produce un exceso de texto superpuesto y la pantalla queda en blanco. Pocos segundos después, vuelve a aparecer la misma tipografía, esta vez en negro. El vídeo es un bucle infinito.

Los elementos sobre los que se proyecta son láminas de distintos materiales: plástico, papel vegetal, papel de calco negro y papel de calco amarillo. Objetos que se conectan con la transparencia o la transferencia. Estas láminas, de distintas medidas, están intervenidas con máquina de escribir. La tipografía, similar a la del vídeo, se estampan sin tinta, dejando su huella sobre la superficie de las hojas. Los textos se presentan al revés, sin signos de puntuación y sin espacios. Son relatos propios que hablan de desasosiego y trampa, rescatados para la ocasión y vueltos ininteligibles.

Sobre el papel de calco negro escribo con rotulador permanente, también negro, consiguiendo un efecto cobrizo. Sobre el papel vegetal más grande escribo con rotulador de tiza naranja (y se arruga). Bajo el papel vegetal más estrecho incorporo un papel blanco intervenido con rotulador naranja. En todos estos casos, escribo al revés la misma frase: Entre líneas. Ejercicio barroco que ofrece distintos niveles de lectura que compiten y se confunden. Se velan y se muestran.

entre líneas. 2016. Instalación. Medidas variables.

llueve cada día. Vídeo de 09’57”. Monocanal / formato .pm4 / Blanco y negro / Sonido.

Papeles. Papel de calco negro intervenido con rotulador permanente negro, papel de calco amarillo, papel vegetal y plástico hendidos con máquina de escribir, rotulador naranja sobre papel, rotulador naranja sobre papel vegetal hendido con máquina de escribir. Medidas varias.

Papel calco negro 02. Papel de calco negro hendido con máquina de escribir e intervenido con rotulador negro. 27x21cm.

Papel calco amarillo 02. Papel de calco amarillo hendido con máquina de escribir. 22x21cm.

Escribo sobre la superficie del cristal del tríptico al calor del hogar un mensaje con rotulador amarillo, “que arda”. Con el paso del tiempo, el acrílico se irá deteriorando para revelar la imagen que se halla debajo. En esta ocasión, para presentar el conjunto de fotografías, preparo una serie de letanías en distintos materiales con la intención de potenciar o contradecir la letanía original. Tomo el calor, lo frágil y lo efímero como puntos de referencia para expandir la pieza. Intervengo con carboncillo una moqueta. Troquelo una manta térmica. Con ello pongo en cuestión los materiales con los que construir o no una obra artística, incidiendo en su escasa perdurabilidad. Detrás del fuego se pregunta qué es lo que queda después.

Detrás del fuego. 2019. Instalación. Tríptico fotográfico intervenido con rotulador amarillo, manta térmica troquelada, imanes y carboncillo sobre moqueta gris. Medidas variables.

Lo irreferenciable es un conjunto de piezas que nacen de la paradoja de escribir con un rotulador que sirve para subrayar el texto. Sobre papel kraft blanco escribo con subrayador de un color por un lado y de otro por el opuesto. El papel se extiende, se adapta a la superficie, se repliega, se acumula y se arruga, expandiéndose y contrayéndose en un juego formal que deja ver ambas caras.

lo irreferenciable – azul sobre naranja. 2016. Subrayador azul y naranja sobre papel kraft blanco. Group Show, Kir Royal Gallery, Madrid. Medidas variables.

lo irreferenciable – amarillo sobre rojo. 2016. Subrayador amarillo y rojo sobre papel kraft blanco. Group Show, Kir Royal Gallery, Madrid. Medidas variables.

El benefactor (1963) es la primera novela de Susan Sontag. Históricamente, la crítica literaria ha considerado las novelas de la filósofa y ensayista como piezas fallidas. Esta concepción del error o lo malogrado se puede relacionar con lo desviado o lo incorrecto, pudiendo convertirse en sinónimos de lo queer. Del escrito selecciono extractos en los que aparece un personaje abiertamente homosexual, Jean-Jacques; un escritor, exboxeador y prostituto que actúa como maestro intelectual y espiritual del protagonista. Para dar vida a Jean-Jacques, Sontag se inspira en el autor francés Jean Genet, una de sus influencias. La excentricidad con la que dibuja a este personaje colisiona con una serie de ideas sobre lo que es o no es la homosexualidad masculina.

En esta performance de Inversiones, antes de leer las distintas operaciones de inversión del lenguaje, me maquillo el rostro con una franja roja. Adapto uno de los sueños del protagonista en el que le diseccionan la cara. Aquí el cubrir se convierte en un ejercicio metafórico que no solo subraya, sino que también descarna y revela.

Inversiones – Rotcafeneb le. Susan Sontag. 28 de marzo de 2023. Performance en Acción Spring(t). VI Congreso de Arte de Acción en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. 20’.

Obra realizada gracias a una Ayuda Postdoctoral Margarita Salas en la Universitat Politècnica de València. Financiada por el Ministerio de Universidades y la Union Europea – Next Generation EU.

Fotos: M.Lohrum y Acción Spring(t).